Las pinturas de Juan Roberto Diago desafían el mito de la igualdad racial en Cuba

Las pinturas de Juan Roberto Diago desafían el mito de la igualdad racial en Cuba

Juan Roberto Diago es parte de un nuevo movimiento cultural afrocubano que busca centrar las cuestiones de raza y las secuelas de la esclavitud en el discurso cubano. Aunque su práctica ha tocado la instalación y la fotografía, Diago principalmente realiza pinturas que combinan formas abstractas, materiales descartados y referencias religiosas africanas. "Diago: las pasados de este presente afrocubano" es su primera encuesta exhaustiva en los Estados Unidos. Para transmitir el contexto social en el que se ha desarrollado la práctica de Diago, el curador Alejandro de la Fuente, un historiador de la Universidad de Harvard, donde se estrenó la exposición, incluye citas suyas en las paredes, junto con las obras. Las citas son directas y denunciantes: su objetivo es desilusionar a los espectadores de cualquier noción romántica que puedan tener sobre la igualdad racial en Cuba. Sin embargo, existe una tensión no resuelta entre su lenguaje contundente y las pinturas a menudo formalmente bien educadas de Diago.

El Hombre Azul (The Blue Man, 2009) representa, desde los hombros hacia arriba, un estilo de figura abstracta y genérica que, cumpliendo una función arquetípica, se repite en las pinturas de Diago. Una costura corre verticalmente por el ejemplo en El Hombre Azul, que se lee como una laceración cosida, una metáfora de las heridas físicas y psíquicas que las personas negras han experimentado desde que llegaron al Nuevo Mundo. El mismo tipo de figura aparece en Rostro Sin Nombre (Nameless Face, 2019), pero aquí se representa en una colcha de pequeños cuadrados de lienzo con bordes deshilachados. El fondo geométrico obliga a los elementos figurativos y gestuales de la pintura a diseños de mosaicos refinados.

Las obras que mejor funcionan en el intercambio del programa entre lenguaje combativo y artefactos graciosos son aquellas que utilizan la metáfora de la superficie pictórica como piel. En Aché Pa 'los Míos (Bendiciones para mis amigos, 1999), una telaraña de algodón blanco y restos de arpillera sobresale como una maraña de tejido cicatricial del suelo de arpillera áspero, rasgado en algunos lugares, lo que aumenta nuestra conciencia de la materialidad de la pintura. Nos llevan a considerar los ecos históricos ("el pasado de este presente afrocubano") que repercuten en la pintura y a considerar el papel de la arpillera y el algodón en las economías de plantación y sus vidas posteriores.

En "Variaciones de Oggun" (Variaciones de Oggun, 2013), una serie de pinturas de ensamblaje cuyo nombre se refiere al dios de los metales y la guerra en varias religiones afro-caribeñas, Diago suelda piezas de acero de cincuenta y cinco galones. tambores para producir galante composiciones geométricas. Aunque pretende que el material "pobre" alude a las condiciones de vida precarias, a los barrios marginales y a las economías informales, son solo las marcas de sutura de las obras, que se leen como cicatrices queloides, lo que interfiere con una lectura puramente formal. Estas pinturas en gran parte elegantes, pegadas a la escala humana, no pueden generar una sensación de incomodidad física que pueda coincidir con el peso conceptual de su tema.

El Poder no se Regala se Lucha (Power Is Not Given but Conquered, 2009), que representa un tazón o una olla que flota entre las palabras del título, consta de treinta paneles pequeños. Las esquinas de los paneles se han eliminado para revelar barras de camilla en forma de tacos tallados a mano. El artista ha discutido el papel de la industria turística en Cuba, que explotó después de la caída del Muro de Berlín. Estos tacos se parecen a los materiales kitsch que se encuentran en las trampas para turistas, como los azotes que se ven en los bares tiki y en las sillas de los restaurantes de imitación tradicional. El auge de la industria turística, que favorece a las personas con ciertos fenotipos y tonos de piel para trabajos y otras oportunidades, reactivó los comportamientos racializantes y discriminatorios que supuestamente se habían desvanecido con el proceso revolucionario, y aumentó la disparidad económica a lo largo de la línea de color. Cuando las pinturas de Diago rompen la estructura tradicional del medio, asumen de una manera sutil pero penetrante el candor explosivo de su discurso y su deseo de desgarrar el lenguaje y las declaraciones fantásticas con las que se trata (o no se trata) la raza en Cuba.

"Diago: las pasados de este presente afrocubano" tiene como objetivo mostrar cómo las inequidades pasadas permanecen en el presente

No es probable que alguien llame a Juan Roberto Diago un colorista brillante.

Más bien, su paleta se inclina más hacia los tonos cenicientos grises y negros de William Kentridge, quien ha empleado dibujos al carbón durante años para evocar dramas fascinantes de injusticia, inspirados por su larga experiencia con políticas racistas sistémicas en su Sudáfrica natal.

Esa paleta atenuada también le ha servido bien a Diago en su crítica expresiva de las desigualdades raciales en su Cuba natal, una crítica que alude metafóricamente a las actitudes racistas presentes más allá de Cuba.

"Diago: las pasados de este presente afrocubano", ahora en el Museo de Arte Lowe de la Universidad de Miami, reúne 40 obras desde 1993 hasta el presente. Revela el alcance de su carrera. Su objetivo es mostrar cómo las inequidades del pasado, desde la esclavitud hasta el prejuicio poscolonial, permanecen incrustadas en el presente.

"Diago" llega a Lowe gracias en parte a la colaboración con el Museo de Arte Contemporáneo de Miami de la Diáspora Africana (Miami MoCAAD) y el Instituto de Investigación Afro-Latinoamericana de la Universidad de Harvard, el Centro Hutchins para la Investigación Africana y Afroamericana, y The Ethelbert Cooper Galería de arte africano y afroamericano, donde se exhibió "Diago" en 2017.

Poco antes de que "Diago" se abriera en The Cooper Gallery, el artista le dijo a Cuban Art News que cree que hay múltiples formas de comprometerse con el legado de la cultura africana.

Reclamando contra el pensamiento cansado sobre el arte con vínculos con África, ideas posiblemente formadas por números de revistas antiguas de National Geographic, Diago agregó: “La visión de la cultura afrodespórica es más que máscaras, más que grandes pechos o nalgas. Es más que un color de piel. Un espacio como este permite la posibilidad de expresarnos, en nuestra propia voz ".

En el Lowe, una energía irregular y cruda que proviene de la propia voz de Diago informa a "Paisaje I", con su red de trazos delgados en tonos grises, proporcionando el giro del artista en la red constructivista del maestro latinoamericano Joaquín Torres-García. Esta cuadrícula desigual representa un espacio sin aire repleto de límites y recintos. Aquí no hay un exuberante paisaje verde esmeralda que evoque los clichés de una isla paradisíaca caribeña.

"My History is Blood" de Diago presenta un retrato austero y nervioso de una cara casi sin rasgos distintivos con dibujos de lo que parecen conchas de cauri, utilizados en los rituales de adivinación africana, colocados donde estarían los ojos. Rayas densas y ondulantes de rojo y negro gotean hasta el borde del lienzo, ocultando cualquier parte del cuerpo que pueda pertenecer a esta cara.

Del mismo modo, las líneas nerviosas garabateadas en "Scream" recuerdan el trabajo inspirado en el graffiti de Jean-Michel Basquiat.

Nacido en una familia de intelectuales cultos, Diago seguramente creció muy consciente de su rica herencia afrocubana. Su abuelo fue el artista Roberto Juan Diago y Querol, cuya obra se mostró en el hito "Pintores cubanos modernos" de 1944 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. También está relacionado con la familia Urfe de músicos cubanos de vanguardia.

Su sombría paleta está inspirada en la escasez y el racismo que encontró como artista afrocubano en la Cuba posrevolucionaria. Al igual que muchos artistas cubanos cuya carrera tomó forma en la década de 1990, trabajó con materiales limitados disponibles en Cuba, generalmente conocido como el "período especial". La economía del país había caído en picada cuando el patrocinio soviético desapareció a raíz del colapso de la Unión Soviética.

Hoy en día, su uso de materiales sombríos y empobrecidos, como tablas de madera rugosas con pintura descascarada o trozos de metal adoquinados, evoca chozas en barrios negros deteriorados, lo que demuestra cómo su arte ha abordado durante mucho tiempo las desigualdades raciales omnipresentes de Cuba.

Las cajas de luz, deliberadamente enmarcadas torpemente con tablones de madera, a menudo muestran tiernas fotografías callejeras de personas en Cuba, con notas más positivas que sus obras sobre lienzo.

Posiblemente en una línea similar, "Ciudad Ascendente" muestra una constelación en expansión de cajas de madera carbonizada, como casitas en miniatura, esparcidas en el piso y a lo largo de las paredes del museo, donde se han montado en diferentes alturas. Estas cajas parecen elevarse hacia arriba en todas las direcciones, impulsadas por su propia fuerza persistente.

Diago elige restos de madera y metal con superficies irregulares y elevadas, pensadas para recordar queloides. Los queloides son cicatrices elevadas que quedan en la piel negra como resultado de un trauma físico. Por extensión, pueden estar simbólicamente vinculados a las ramificaciones continuas de la esclavitud. Tales materiales contundentes, expresivos y toscos son evidentes en los trabajos de su serie "Variaciones de Oggun" y la instalación "Huella de memoria".

Como explica el curador Alejandro de la Fuente en su ensayo para la exposición, en la década de 1990, Diago fue uno de los numerosos artistas negros que desafiaron la propaganda oficial cubana alegando que el país era racialmente integrado e igualitario; Músicos cubanos de hip-hop denunciaron la brutalidad policial contra los negros.

"Diago" difícilmente podría haber llegado a Miami en un momento mejor. Esta exhibición se une a la confluencia de eventos importantes de Miami que exploran los matices del arte y la cultura afro-caribeños, ilustrando su presencia convincente en el escenario internacional que ofrece Miami Art Week.

El inicio de la Semana de Arte de Miami fue un evento oficial de Art Basel Miami Beach presentado por Lowe, con una conversación entre de la Fuente y el destacado académico de la diáspora africana y africana Barbaro Martínez-Ruiz sobre Diago y su arte. Fue moderado por Marilyn Holifield, cofundadora de Miami MoCAAD.

Otros eventos durante la Semana del Arte de Miami destacaron las conexiones florecientes de la región con el arte de la diáspora africana y África, en sintonía con "Diago". Entre ellos se encontraba Prizm Art Fair, en curso desde 2013, y la provocativa exposición titulada "Who Owns Black Art?" presentado en Miami Urban Contemporary Experience, una compañía de producción artística con sede en Little Haiti. Fue organizado por ZEAL, un grupo multimedia con sede en Los Ángeles y la ciudad de Nueva York que apoya a artistas visuales y de performance negros, que a menudo se pasan por alto o están subrepresentados en los principales lugares de arte.

ART IN AMERICA, GEAN MORENO

Juan Roberto Diago: De la Serie Variaciones de Oggun, No. 1, 2013, mixed media on metal, 78 by 59 inches; at Lowe Art Museum. COURTESY MAGNAN METZ GALLERY, NEW YORK.